Indiepoprock.net - chroniques de disques

Irrepressibles (The) - Mirror Mirror

Wed, 10 Mar 2010

On avait pu vérifier, avec le second album du Get Well Soon de Konstantin Gropper, que la pop baroque avait du mal à tenir la longueur d'un album. Ce qui fonctionne bien sur 3-4 titres a tendance a tourner à l'indigestion passé ce cap. Pourtant, en matière de baroque et d'orchestration grandiloquente, on a trouvé encore plus fort que Get Well Soon avec le collectif anglais The Irrepressibles. Dix membres, à la fois musiciens et performers, des concerts bénéficiant de véritables mises en scènes théâtrales, un leader (Jamie McDermott) au timbre androgyne et un album construit en forme d'opéra barococo, à la fois glam, pop, lyrique et baroque. L'écoute des 12 titres de "Mirror Mirror" dépasse en effet le cadre traditionnel de la musique, si l'on accepte de se laisser embarquer dans l'univers décalé de cette troupe haute en couleurs. Cordes (violons, violoncelles), vents (flûte, cor, clarinette...) et piano accompagnent Jamie McDermott le long de 12 saynètes aussi lyriques qu'excentriques, à la manière d'un Klaus Nomi ou, plus proche de nous, des Canadiens d'Of Montreal. On ne peut s'empêcher d'évoquer également la ressemblance vocale entre McDermott et Antony Hegarty (même s'il s'en défend), flagrante sur Forget the Past, même voix de tête perchée dans les aigus, ou à un degré moindre avec celle du Canadien Patrick Watson sur The Tide. "Mirror Mirror" est plutôt construit comme un opéra, une pièce de théâtre, que comme un album de pop indé classique. On a en effet le sentiment à son écoute d'assister à un spectacle tout autant sonore que visuel, avec ses moments de calme et ses envolées lyriques. Parmi les meilleurs moments de cet album on retiendra la grâce d'In Your Eyes et de My Witness, les envolées d'un Nuclear Skies ou au contraire le côté intimiste de The Tide, mais c'est avec le somptueux In This Shirt que le groupe de Jamie McDermott tutoie les sommets. Il clôture un album qui n'a, au final, qu'un seul défaut, celui d'arriver après le phénomène Antony & The Johnsons, mais avec un titre aussi beau qu'In This Shirt on consent à pardonner beaucoup de choses.

Joanna Newsom - Have One On Me

Tue, 09 Mar 2010

Dire que le dernier album de Joanna Newsom est attendu, est un doux euphémisme. La jeune harpiste a su générer autour d'elle un engouement tout particulier depuis son premier album, "The Milk-Eyed Mender" sorti en 2004, et quelques EP en autoproduction. Son deuxième effort "Ys", chez Drag City a marqué les esprits par son ampleur et présageait déjà de son orientation lyrique. Reconnaissable entre mille avec sa voix aiguë et écorchée, elle agace ou suscite la curiosité. "Have One On Me" sort donc plus de 3 ans après son prédécesseur, et c'est avec les mains moites qu'elle nous laisse appréhender maladroitement cet objet étrange, découpé en trois disques ou trois mouvements. Depuis "Ys", Joanna affectionne les long morceaux, aux ondulations variées, qui offrent plusieurs facettes. Ce disque est donc long à apprivoiser, il demande du temps d'écoute puisque le plus long morceau dépasse les 11 minutes et que la durée moyenne avoisine les 6 minutes. "Have One On Me" est un album copieux et généreux puisqu'il faudra compter 18 titres pour venir à bout de son univers. Ce qui a principalement changé depuis "Ys", c'est la voix de Joanna, qui d'album en album ne se ressemble pas, se perfectionne, proche de celle de Kate Bush il faut bien le reconnaître. Elle se démarque également de son étiquette « folk-médiéval » un peu réductrice en dévoilant des morceaux plus contemporains bluesy, country, presque dans la lignée d'une americana digne de ce nom. Sur le premier mouvement Joanna accouche des morceaux les plus forts de cet album qui sont Have One On Me, 81, Easy, Good Intentions Paving Company ou Baby Birch. Ses chansons sont comme des courses folles où la prise de souffle semble impossible, où tous les sentiments explosent sans grande cohérence apparente, et laissent entrer batterie, piano, banjo comme nouveaux compagnons de voyage. Pari risqué, mais ô combien réussi et nécessaire. Joanna offre des chansons admirablement troussées et poignantes comme You And Me, Bess, In California (dont le final dresse son lot de poils sur les bras), Go Long, Occident, Soft As Chalk (qu'Alela Diane aurait pu écrire). Poussez l'écoute jusqu'au bout et quelques tirades finales sont bouleversantes à l'image de Kingfisher qui me ferait presque mentir sur l'absence de folk-médiéval sur ce disque, et Does Not Suffice, le génial écho à probablement la plus belle chanson du disque (In California). Toutefois dans un pari il y a une prise de risque, et la prise de risque entraîne des imperfections, très peu dommageables. Il faut bien admettre que tout n'est pas du même acabit. Parfois on s'ennuie, Esme, Autumn et Ribbon Bows tournent en rond et pataugent (présents sur le troisième et dernier mouvement). On serait tenter de jeter un pavé dans la mare en se demandant si un bon double album bien dosé n'aurait pas été suffisant. Des chipotages qui n'ont rien de bien dommageable comme je vous le disais. "Have One On Me", triple album qui compte double dans nos cœurs, combinaison gagnante de cette année 2010. Joanna Newsom ne se contente pas de rassurer ses admirateurs, elle offre une perspective intéressante à une folk parfois trop lisse. Son ambition et son parti pris artistique sont tout simplement à saluer et savourer.

Tunng - ...and then we saw land

Mon, 08 Mar 2010

Tunng s'est sans aucun doute installé dans le peloton de tête des groupes qui, ces dernières années, ont prouvé qu'on pouvait compter sur eux pour ce qui est de nous livrer des albums soignés et aboutis. Pourtant, on les décrit souvent comme un "bon petit" groupe, on s'enflamme rarement à leur sujet. Il faut dire que Tunng est un peu une anomalie : anglais alors qu'avec leur folk electro-bricolo, on les aurait plutôt vus originaires de l'autre côté de l'atlantique. Raté donc pour ce qui est de profiter de l'émulation de la vague néo-folk qui a sévi en Amérique ces derniers temps. En outre, la musique de Tunng n'est pas de celles qui vous déchirent l'âme, et ne vous assène pas non plus des hits au kilomètre. Tunng, c'est plutôt un cocon tranquille (du moins en surface), dans lequel il fait bon se lover et se laisser bercer. On peut y voir une limite, mais c'est aussi sur cet entre-deux que le groupe a créé son identité. "...and then we saw land" ne semble d'ailleurs pas avoir été conçu pour faire changer le groupe de statut, mais s'affirme plutôt comme un prolongement serein de la brillante carrière du groupe. Il ne faut en effet pas longtemps pour retrouver les mélodies célestes et enlevées qui nous ravissent à chaque fois, comme sur It breaks, sur lequel il fait bon siffloter et taper du pied. Cette fois-ci, le groupe a un peu mis de côté les petits bidouillages qui se mêlaient aux instruments sur les albums précédents et constituaient pour bonne part la "patte" Tunng. Alors on serait vite tentés de décréter que cet album est bien joli mais que le groupe évolue dans des eaux plus banales, brassées par bien d'autres. Or, c'est justement là le piège dans lequel il ne faut pas tomber : car si la musique de Tunng est légère, sereine, ça ne signifie pas pour autant qu'on en fait le tour en une ou deux écoutes. Un morceau comme Don't look down look up peut par exemple vous laisser, sinon de marbre, au moins quelque peu indifférent sur une, deux, trois écoutes, et vous mettre une belle claque à la suivante. Car Tunng a par moment revu ses dynamiques, travaillé plus en profondeur ses parties instrumentales, poussé un peu plus loin que sur les albums précédents son recours au chant choral, et tous ces petits détails affleurent à notre conscience au fur et à mesure. La partition de piano et la structure en canon de The roadside est ainsi un modèle de composition, tout comme le dépouillé These winds, presque uniquement axé sur les voix et qui sonne comme une chanson traditionnelle. Et puis il y a With whiskey, qui lui aussi repose a priori sur deux fois rien, sinon quelques accords de guitare acoustique, deux trois notes de harpe, des voix en lévitation, et qui vous atteint directement en plein cœur. Comment faire un maximum avec une économie de moyens remarquables en une leçon. Alors, oui, Tunng est bien un groupe majeur du moment, et "...and then we saw land", un disque qui creuse tranquillement son sillon. Ce qui devrait nous valoir encore pas mal de bons albums et de bons moments dans les années à venir.

Harmonia & Eno - Tracks and Traces

Sun, 07 Mar 2010

On peut affirmer sans hésitation que Brian Eno est un génie. Ne serait-ce que pour avoir inventer le jeu de carte des Stratégies Obliques, ou encore avoir réaliser quelques chefs d’œuvre tels que "Before & After Science" et "Apollo Atmospheres Soundtracks", sans oublier la production de certains des meilleurs disques de Bowie ou des Talking Head, Eno est encore une figure incontournable en matière de pop moderne. Au fur et à mesure que le temps passe, je déniche toujours une de ces créations musicales ou une collaboration avec un autre groupe. Dernière découverte en date, sa participation à Harmonia, un super-groupe de Krautrock composé de l’ancien Neu !, Michael Rother (un jour il faudra écrire ô combien “Neu ! 75″ fait partie de ces immenses disques de Krautrock), ainsi que Hans-Joachim Roedelius et Dieter Möbius de Cluster. Cela remonte donc à quelques années, puisque "Tracks And Traces" est constitué d’une collection de titres enregistrés en 1976, qui n’ont été édité qu’en 1997, avant d’être ressorti récemment en 2009. Difficile de comprendre pourquoi ce chef d’œuvre est resté aussi longtemps dans les tiroirs d’Harmonia & Eno tant la puissance introspective des premières notes de Vamos Companeros a de quoi transporter n’importe quel auditeur par ses volutes synthétiques et ambiantes. Entièrement atmosphérique, "Tracks And Traces" est composé pour l’essentiel de longues notes de claviers, de guitares, ainsi que de quelques rares patterns programmés sur d’anciennes boîtes à rythmes. Au milieu de ces influences synthétiques, on peut entendre Luneburg Health, seul titre chanté par un Brian Eno dont la voix froide apporte une étrange marque d’humanité au milieu de toute cette musique brute, expérimentale et électronique. Dans les guitares de Les Demoiselles on y entend parfois une sorte de blues lymphatique, qui inspirera d’ailleurs Eno pour le célèbre Deep Blue Day que l’on peut entendre sur "Apollo Atmospheres Soundtracks". Tout ceci est saisissant par sa simplicité et sa beauté. Pour le reste, le mieux est encore d’écouter ce disque, ces ambiances conviennent plus à l’écoute active qu’à un long résumé. Autant en rester sur un silence admiratif …

The Rudy Trouv� Septet - Heaven Hotel Presents The Rudy Trouv� Septet 2007-2009

Sat, 06 Mar 2010

Le nom de Rudy Trouvé est associé à tant de groupes emblématiques et de projets musicaux plus ou moins alternatifs, en Belgique, que cela donne le tournis. A l'instar de son comparse Mauro Pawlowski, il ne semble jamais être rassasié. Dirigeant un label sous lequel il sort ses propres albums mais également ceux de groupes à la forte personnalité et dont il fait plus ou moins partie, il trouve encore le temps de se concentrer sur son septet qui lui tient tant à cœur. Membre de Dead Man Ray (en pause musicale depuis leur dernier album, "Cago"), et des trop méconnus mais géniaux Love Substitutes, il est devenu au fil des décennies une figure emblématique du rock indépendant anversois. N'oublions pas qu'il a également fait partie de dEUS, à l'époque de "Worst Case Scenario", et qu'il y a imprimé sa patte, même si on se focalisait déjà à l'époque sur la paire de surdoués qu'étaient Tom Barman et Stef Kamil Carlens (Zita Swoon). Mais revenons-en à ce fameux septet. Après le déjà génial album qui compilait des morceaux joués entre 2003 et 2007, (Songs and Stuff Recorded Between 2003 and 2007, Part One and Two), Rudy Trouvé et ses musiciens remettent le couvert, avec "Heaven Hotel Presents The Rudy Trouvé Septet 2007-2009". Difficile de parler de ligne de conduite chez Rudy Trouvé même si le principal intéressé semble savoir exactement ou il voulait en venir. C'est tant mieux, on le suit alors les yeux fermés. Sur Beast, on étouffe un cri de joie au plaisir de retrouver notre très cher Anversois là ou l'on l'avait laissé il y a deux ans. Toujours paré de cette nostalgie typique et touchante, la musique de Trouvé touche en plein cœur, car sous ses airs parfois patibulaires, on sait qu'il est un grand sensible, de la musique, mais aussi du monde qui l'entoure. Le septet est à l'unisson, Trouvé jouant parfaitement sa partition de chef-d'orchestre. Une harmonie incroyable se créé malgré la profusion d'instruments. Et les cordes sur ce morceau sont étincelantes. Footage est un morceau hanté, chanté en chœurs. On imagine le groupe en arc de cercle, jouant en totale communion, Trouvé se faisant autoritaire mais en retrait. Il insère des intermèdes de courte durée entre ses morceaux, tel On A Highway, Barely Awake, très cinématographique. Il rend aussi hommage au majordome de la famille Adams, sur Ted Cassidy. Cette chanson, très touchante, s'élabore autour d'une boucle de guitares, laquelle ne semble pas vouloir s'arrêter. Des cris surgissent pour accentuer la part de monstruosité du personnage. Mais la palme d'or du meilleur morceau revient de droit à Stolen Moments, précis exquis de mélancolie typiquement anversoise. On s'y croirait. Le début de Dub Undead rappelle les meilleurs moments des Love Substitutes, pour prendre par la suite une toute autre direction, plus dans le sens de Dead Man Ray. En effet, ce qui faisait la richesse de ce groupe, c'est la recherche musicale, et l'obsédé du son qu'est Rudy Trouvé y a trouvé un terrain de jeu au sein duquel s'épanouir avant de voguer vers des projets solo. Rudy Trouvé nous a de nouveau tendu des pages de ses notes personnelles, de son journal de bord, de ses rêveries. On refait le chemin avec lui, et chaque nouvel album est un exercice, non seulement de style, mais qui nous permet aussi de saisir toute la richesse de la personnalité si attachante de ce musicien et compositeur exemplaire. Encore une fois bravo !

Ben Sollee & Daniel Martin Moore - Dear Companion

Fri, 05 Mar 2010

Quand la fatigue vient, il faut écouter de temps en temps quelques néo-folkeux légèrement pop, bien propres sur eux, à la manière des Bowerbirds, pour citer les plus évidents d’entre-eux. C’est le genre de musique un peu éphémère qui passe bien le soir, c’est plutôt confortable de rentrer dans un état de semi-somnolence avec ces mélodies acoustiques, idéales avant de passer à des groupes aux sons beaucoup plus hardcore et complexes. Ben Sollee et Daniel Martin Moore font donc partie de ce folklore qui détend, tant leur premier album se révèle agréable à écouter, à défaut de pourvoir défricher des terrains beaucoup moins inconfortables. Dans un registre très proche de celui de M. Ward, Ben Sollee et Daniel Martin Moore explorent quelques territoires de l’héritage folk, voire country ; c’est l’esprit d’une certaine Americana qui est invité sur chaque titre. Leurs compositions – quatre pour Sollee, cinq pour Moore, deux en commun – s’affirment avec une certaine élégance. D’écriture essentiellement acoustique, avec une primeur pour le violoncelle pour Ben Sollee et la guitare folk pour Daniel Martin Moore, l’ensemble des titres se révèlent assez agréables à écouter de par leur finesse et leur joliesse. Un arrangement pop et boisé que l’on doit sûrement à la production de Yim Yames, un participant au super-groupe Monsters Of Folk, ceci explique cela. Avec leurs voix graciles, légèrement teintées d’accents country, les deux songwriters sont très bons dans des registres calmes et minimalistes, notamment avec Flyrock Blues de Daniel Martin Moore, tout en picking aériens, ou encore l’intimiste Only a Song de Ben Sollee. Lorsque les constructions sonores deviennent plus expansives, avec du banjo ou enrichies de sonorités influencées par le jazz, comme sur Dear Companion, Ben Sollee et Daniel Martin Moore y perdent malheureusement en personnalité, la faute à une production dans l’ensemble beaucoup trop lisse. Des sonorités beaucoup trop classiques et moins touchantes pour emballer complètement, et c’est finalement le seul reproche que l’on pourrait faire à ce "Dear Companion". Voilà donc un bon disque, plutôt sympathique, parfois touchant, sans être inoubliable. Plus de personnalité et un prochain album permettraient peut être à Ben Sollee et Daniel Martin Moore d’entrer dans le club très select de l’aristocratie folk.

Retribution Gospel Choir - 2

Thu, 04 Mar 2010

On se souvient de Death Of A Salesman, que l’on peut entendre sur le deuxième tiers de "The Great Destroyer". Ce titre joué par Alan Sparhawk, seul avec une guitare acoustique, venait rompre avec les atmosphères écrasantes que l’on pouvait entendre sur ce disque. La chanson parlait aussi d’une certaine forme de renoncement, comment se plier aux exigences des autres plutôt que de rester connecté à ses propres besoins … C’est peut être le besoin de grosses saturations qui a poussé Alan Sparhawk à réaliser ce second album de Retribution Gospel Choir, alors qu’on attendait plutôt de lui qu’il écrive pendant encore quelques temps des passages lents s’étirant sur de longues minutes, que l’on écouterait en se morfondant de plaisir. Pour casser cette routine, Alan Sparhawk, entouré du nouveau bassiste de Low (Steve Garrington) et du batteur de Sun Kil Moon (Eric Pollard), a préféré réaliser un disque de grunge avec un son puissamment 90’s, chargé en distorsion bien grasse. Des ambiances auxquelles on pourrait reprocher le manque flagrant de subtilité de la part du leader de Low, mais qui nous ferait indéniablement crier au génie si c’était Lou Barlow ou Jay Mascis qui les avaient réalisées … On accueille donc cette déflagration sonore comme un exutoire singulier, psychédélique et légèrement improvisé. Dès l’inaugural "Hide It Away", Retribution Gospel Choir réussit un joli mélange entre un déluge de guitares saturées qui bombent le torse et la voix catatonique d’Alan Sparhawk, dont on reconnaît immédiatement le timbre sublime, gorgée d’émotions encore sombres. En abandonnant les reprises de Low, Retribution Gospel Choir gagne un peu plus en force, et réussit à tutoyer par moment quelques sommets que n’auraient pas renié Neil Young et son Crazy Horse, lors de quelques explosions électriques, notamment avec le superbe Poor Man’s Daughter. Sur ce dernier, les arrangements s’étirent, s’allongent, deviennent presque imprévisibles, avant de terminer en acoustique, laissant à Alan Sparhawk le soin de conclure dans les larmes avec un « She said lala lala » des plus émouvant. Chasser le naturel … Electric Guitar enfonce le clou avec ses huit minutes intenses et plutôt noisy, avant qu’Alan Sparhawk ne retrouve doucement et tranquillement la beauté charnelle de Low sur un Bless Us All fantômatique. Malgré quelques passages un peu moins passionnants (Workin’ Hard, ‘68 Comeback), ce second album de Retribution Gospel Choir impose encore plus le side projet d’Alan Sparhawk comme le résultat fascinant d’un songwriting à la fois charnel et distordu.

Antrabata - Dark and bright

Wed, 03 Mar 2010

Suite à leur premier album, les parisiens d'Antrabata se sont vus classer dans la catégorie trip-hop. Bien sur, le terme n'a rien de péjoratif et n'est pas inapproprié, si on tient compte du fait que le groupe distille une musique tout en downtempo, mélodique, et que viennent souvent se greffer dessus des rythmiques métronomiques. Pourtant, s'il permet de cerner la musique d'Antrabata, on pas envie plus que ça d'en user, histoire de ne pas enfermer trop vite le trio dans un créneau trop étroit. Car, sur ce second album, dès Echoes, des éléments bien affirmés se mettent en place : une voix, celle de Femke Lavrijssen, bien en avant, claire, pure sans en rajouter, et qui nous parvient directe et franche. Ensuite, derrière, ce sont avant tout les notes de flûte traversière qui retiennent notre attention, et qui, si elles contrastent avec la rythmique, apportent avant tout un supplément d'onirisme, de suavité organique qui nous place sur un terrain pas franchement inconnu mais néanmoins singulier, pas complètement soul, pas complètement psyché, ni dépressif ni insouciant. Impression notamment ressentie sur Chameleon of today ou Copy and paste. C'est dans ces moments-là qu'Antrabata convainc pleinement, plus que sur des titres soignés mais un peu trop sages comme Dark and bright. Sur la seconde partie du disque, le groupe distille quelques instrumentaux, notamment Onde day after, qui n'est pas sans rappeler les débuts d'Air. Mais à vrai dire, la voix de Femke nous manque un peu, et le superbe Knowing a smile ne fait que confirmer que c'est lorsque les arrangements viennent se lover autour d'elle qu'Antrabata est le plus attachant. Et qu'on a envie de les suivre.

Valravn - Koder pa snor

Tue, 02 Mar 2010

Il faut être reconnaissant au label Prikosnovénie de promouvoir par chez nous des artistes qui, sinon, n'auraient sans doute jamais atteint nos frontières ni nos oreilles. Valravn, groupe danois, qui, il faut le souligner, chante dans sa langue, fait partie de ceux-ci. Alors autant l'annoncer d'entrée, pour véritablement apprécier "Koder pa snor", il faut d'abord passer outre un premier cliché qui a tendance, depuis une bonne dizaine d'années, à coller aux basques des groupes nordiques qui se lancent dans la pop matinée d'électro, à savoir d'évoquer Bjork dès les premières notes. Koder pa snor, le morceau titre placé en entrée, n'échappe pas à la règle, et les intonations vocales sont parfois d'un mimétisme confondant. Ce qui, par ailleurs, n'empêche pas le morceau de développer des qualités mélodiques certaines et des arrangements soignés. Toutefois, dès Kelling, Valravn étend quelque peu sa palette en révélant une facette plus personnelle, à travers l'inclusion dans sa pop d'éléments qui renvoient plus volontiers à la musique traditionnelle. On craint alors d'ingurgiter un cocktail indigeste, mais le groupe s'en tire réellement bien, ne tombant pas dans l'emphase ni la surenchère. Sur Sjon, les arrangements se font plus sobres, cristallins mêmes, et soutiennent parfaitement la voix, et Kraka ou Seersken, qui durcit un peu le ton, sont de belles machines bien huilées. A peine regrettera-t-on une petite baisse de régime sur la fin du disque et un recours un peu trop insistant à un chant plus incantatoire qui plombe un peu les mélodies, comme sur Farin uttan at veroe vekk. Ce qui ne remettra en rien en cause la réussite de "Koder pa snor" et le bol d'air que nous offre Valravn. P.S : pour se procurer le CD, le plus simple est de se rendre sur le site http://www.prikosnovenie.com

Good Shoes - No Hope, No Future

Mon, 01 Mar 2010

Apparus sur le devant de la scène en 2007 avec leur premier album "Think Before You Speak", qui, sans révolutionner le genre, avait apporté un vent de fraîcheur à la brit-pop, les Good Shoes se présentent trois ans plus tard devant nous pour le grand oral du deuxième album. On le sait, l'Angleterre a le chic pour sortir chaque année ou presque son lot de groupes aux trajectoires aussi brillantes qu'éphémères et avec le recul on craignait un peu que les londoniens ne rejoignent le panthéon britannique des groupes « comètes ». Alors, contrairement à ce qu'ils veulent nous faire croire sur le titre de leur album, y a t'il un espoir, un futur, pour les Good Shoes ? Under Control, premier single issu de ce "No Hope, No Future", nous avait donné beaucoup d'espoir sur la teneur de ce nouvel album. Catchy à souhait avec sa rythmique funky, il pouvait laisser croire à un album de la même trempe. The Way My Heart Beats et Everything You Do, les deux premiers titres de l'album, ont malheureusement rapidement douché cet enthousiasme. Le premier nommé est du Good Shoes pur jus, mélange de post-punk et d'art-rock, de Gang of Four et d'XTC. Le second est à l'image de l'album, plus torturé, moins immédiat, à l'image des sentiments qui ont habité Rhys Jones pendant son enregistrement suite à une déception amoureuse. Les Good Shoes semblent avoir perdu cette fraîcheur et cette innocence qui caractérisent généralement les jeunes groupes sur leur premier album. Rhys Jones tente de faire du Eddie Argos sur I Know ou Times Change mais il faut bien se rendre à l'évidence, il n'a ni le talent ni le charisme de l'ex-Art Brut. Hormis un Under Control toujours aussi jouissif et à un degré moindre le surprenant Our Loving Mother in a Pink Diamond, cet album se traverse de manière quasi-anecdotique en 30 petites minutes qui paraissent presque interminables sur un final vraiment poussif. Déception donc pour un groupe que l'on pensait à même de nous refaire le coup de "Think Before You Speak" mais qui vient peut-être de signer avec son "No Hope, No Future" une prémonitoire épitaphe.