Indiepoprock.net - chroniques de disques

Besnard Lakes (The) - Are the roaring night

Mon, 15 Mar 2010

Lorsque les Besnard lakes avaient débarqué en 2007 avec "Are the dark horse", on avait eu l'impression d'avoir affaire à de vieux briscards alors qu'il s'agissait pourtant de leur premier véritable album. Mais il est vrai que leur CV qui attestait de leur investissement dans de nombreux autres groupes canadiens de l'époque (Stars, Dears...) et la longue liste d'albums déjà produits par leur leader avait un peu brouillé les pistes. En outre, cette impression était peut-être aussi renforcée par le sentiment d'écouter une musique mature et qui prenait ses racines du côté des années 70 plutôt que dans la pop indé de ces dernières années. "Are the roaring night" s'inscrit dans la même lignée que son prédecesseur. Pochette soignée, qui contribue à l'identité du groupe, et, au niveau musique, de grandes plages psyché où s'éclatent des guitares décomplexées qui font plein de notes, des cordes... Et tout cela paraît d'une telle évidence qu'on en oublierait presque le tour de force que réussit ce groupe, à savoir nous faire aimer tout ce qu'on a souvent détesté : l'emphase, la trop grande "virtuosité" des groupes des années 70 apparus dans la lignée de Pink Floyd et Genesis et qui avaient donné vie à ce qu'on appelait alors le rock progressif, synonyme pour tout amateur d'indie pop qui se respecte de genre à fuir au plus vite. Et pourtant, dès son dyptique Like the ocean, like the innocent pt. 1 & 2, les Besnard lakes parviennent à en extirper le meilleur (le souffle, la verve musicale) tout en laissant le pire de côté (la grandiloquence, la surenchère dans l'empilement des instruments et des arrangements). Mais les Besnard lakes ne doivent pas pour autant être réduits à un groupe nostalgique chargé de redorer le blason de glorieux aînés. "Are the roaring night" est avant tout une superbe matrice à morceaux à géométrie variable, où les guitares savent parfois se faire brumeuses et grondantes, telles sur Albatross, qui cette fois évoquera l'esprit des éternels My bloody valentine, plus éthèrées sur la superbe ballade Land of the living skies. Se révèle enfin une capacité à bousculer les dynamiques traditionnelles sans tomber dans l'alambiqué qui fait la réussite éclatante du splendide Light up the night : un démarrage calme, presque recueilli, avant une montée qui culmine dans la déclamation d'une phrase musicale exacerbée par les guitares et les violons. Les Besnard lakes signent donc un nouvel album qui ne cherche pas la surenchère, mais qui par sa capacité à assembler des éléments et des dynamiques qui ne sont pas à la portée des premiers venus, se révèle une sacrée belle boîte à idées.

Langhorne Slim - Be Set Free

Sun, 14 Mar 2010

Sans connaître l'artiste et à la simple lecture de son pseudonyme, on s'attendrait de la part d'un Langhorne Slim à un album de country bon teint, fleurant bon le cuir, le stetson et le poney. Les apparences sont trompeuses : "Be Set Free" nous parle de folk et de pop, avec des influences à chercher plus volontiers chez quelques grands anciens du genre (Cat Stevens ou, évidemment, Dylan) que du côté des standards plus récents, malgré la présence d'un Decemberist aux manettes. En tout cas, Langhorne Slim sait dégainer ses meilleures armes d'entrée de jeu : après Back To The Wild et surtout le parfait Say Yes, on est prêt à signer des deux mains, auxquelles on adjoindrait même une troisième, au prix de manipulations génétiques douteuses, pour I Love You, But Goodbye... Dommage que le niveau redescende aussi vite ensuite et surtout que la répétition s'installe de façon aussi patente. Parmi les ratages : Cinderella, qui tente de sautiller mais se prend surtout les pieds dans le tapis, Yer Wrong, prédiction auto-réalisatrice, ou encore So Glad I'm Coming Home, qui sonne comme un mauvais Pogues sobre. Malgré ces faiblesses, "Be Set Free" finit par être presque aussi attachant qu'il est inégal et ce n'est pas peu dire. Sur les morceaux les plus posés, la voix de Langhorne Slim charme, certains de ses accents rocailleux évoquant un Van Morrison en goguette. Le morceau titre, Leaving My Love ou le très dénué Blown Your Mind empochent la mise avec élégance. Il manque à "Be Set Free" un petit plus qui lui permettrait de prendre un essor inespéré et de devenir un véritable album de chevet pop-folk. Cependant, sans être un chef-d'oeuvre, il n'en reste pas moins un disque agréable, chaleureux et sympathique.

Moonface - Dreamland EP : Marimba And Shit-Drums

Sat, 13 Mar 2010

Derrière Moonface se cache Spencer Krug comme le témoigne cette pochette explicite. Le jeune américain est un boulimique de travail (Sunset Rubdown, Wolf Parade, Swan Lake), probablement un des artistes les plus prolifiques de ces dernières années. Avec Moonface, il signe un album d'une seule chanson d'une durée d'environ 20 minutes librement téléchargeable pour le montant que vous désirez sur le site officiel. La chanson est donc réalisée au marimba (un instrument de percussions que l'on retrouve dans différentes cultures africaines et sud américaines), une batterie plus traditionnelle, et quelques synthés. Une fois de plus Spencer Krug étonne par son hyper-activité et son sens étonnant du renouvellement permanent. "Marimba And Shit-Drums" n'a rien d'un chef d'oeuvre, mais c'est un OVNI surprenant qui démontre une fois de plus son grand talent.

Hadouken - For The Masses

Fri, 12 Mar 2010

Deuxième album des Anglais d'Hadouken, le premier avait, paraît-il, connu un certain succès (plus de 100 000 exemplaires vendus). On leur souhaite la même réussite avec "For The Masses" mais on ne parierait pas un kopeck là-dessus. Suiveurs plutôt qu'instigateurs du mouvement new-rave, le quintette anglo-saxon propose sur son nouvel album un mélange de rock indé et de grime, un mélange appelé grindie, dont Hadouken est, cette fois-ci, l'un des instigateurs. Pas sûr que cela suffise à faire lever les foules. Le grindie propose en effet d'utiliser à la fois l'arsenal traditionnel du rock indé (guitares, basse) et de lui adjoindre celui du grime, à savoir synthés, samplers et phrasé rap. Ce mouvement vendu par une frange de la presse comme novateur n'est en fait qu'une resucée de ce qui a fait le succès d'un groupe comme Prodigy dans les 90's, le talent en moins. C'est également le sentiment qui prédomine à la suite de l'écoute de "For The Masses", l'impression d'avoir déjà entendu ces titres ailleurs (Prodigy, Linkin Park, Asian Dub Foundation) mais en mieux. Pas grand chose à sauver de cet album d'Hadouken, annoncé comme le prochain groupe qui fera danser l'Angleterre. On serait vraiment surpris et déçu si c'était le cas, l'Angleterre a beaucoup mieux à offrir...

Ruby Suns (The) - Flight Softly

Thu, 11 Mar 2010

On avait laissé les Ruby Suns en 2008 avec le très bon album "Sea Lion", un joli disque de musique pop qui faisait la part belle aux mélodies des années soixante. Deux ans plus tard, c’est avec une toute nouvelle formule que le groupe - dont Ryan McPhun est le seul maitre à bord - revient avec une toute nouvelle ligne directrice et mélodique. Mettant de côté les espaces verdoyants et les sonorités acoustiques de ses précédents efforts, "Flight Softly" laisse exprimer pleinement les synthétiseurs et les boites à rythme. A l’image du dernier effort de Yeasayer, le changement est radical, alors que l’un visitait auparavant le psychédélisme folk des années 70 et l’autre, la pop aérienne des années 60, les deux groupes semblent s’être donné rendez vous dans les années 80. Problème, l’un d’eux semble avoir complètement loupé le coche. Car là où le groupe de Brooklyn réussissait pleinement son pari en convoquant des mélodies pop évidentes, les Ruby Suns fatiguent, pire ils agacent. A l’écoute des 10 titres, on se rend compte que Ryan McPhun s’est beaucoup trop éparpillé, le Néo-Zélandais a certes énormément d’idées en tête mais à trop vouloir en mettre, l’artiste se perd et nous avec. Au lieu d’écarter certaines de ses idées, il a cherché à toutes les caser, on se retrouve alors avec des morceaux bancals à l’image de How Kids Fail qui ne manque pas une occasion de multiplier les cassures rythmiques, une habitude beaucoup trop présente sur ce disque qui consiste à laisser un « blanc » sonore avant de repartir sur un nouvel air musical, une idée qui aurait pu être intéressante si l’on ne l’avait pas retrouvé sur à peu près tous les titres ! Certains y verront du génie, d’autres une incapacité à amené correctement ses mélodies dans une autre direction. Alors dans tout ce fourmillement d’idées, certaines sont admirables, mais elles ne sont jamais exploitées au maximum de leur capacité, c’est typiquement le disque où l’excitation nous gagne quelques minutes (sublime refrain d’Olympics On Pot) avant de nous refaire tomber en léthargie un bon moment tel le (trop) contemplatif Closet Astrologer d’une longueur insoutenable. Heureusement quelques réjouissances sont au programme comme lorsqu’il s’amuse à se lancer dans des mélodies tropical rappelant le bondissant El Guincho! Ainsi, Cranberry, seul tube notable de cet album pénible fait monter en nous cette euphorie qui explose à l’arrivée de ce refrain imparable. On reconnaitra les bonnes idées disséminées dans les quelques recoins fréquentables de "Flight Softly", mais on regrettera l’usage qu’il en fait, c'est-à-dire, trop vite abandonnées et trop mal exploitées. Se complaisant dans un style rappelant le courant chillwave, Ryan McPhun use et abuse des sonorités électroniques 80’s transformant ainsi ces compositions en une bouillie sonore… Voilà un album où l’accumulation de synthétiseurs aurait gagné à être épuré afin d’éviter une indigestion qui, hélas, est inévitable dans le cas présent.

Liars - Sisterworld

Thu, 11 Mar 2010

En réécoutant en accéléré la discographie des Liars, on se dit que Julian Gross, Aaron Hemphill et Angus Andrew ont composé chaque album en opposition avec le précédent… Liars a traversé en l’espace de huit ans le post-punk, le noise décérébré, l’ambiant, ou encore les guitares abrasives. Jusqu’à maintenant, on s’attendait donc à une grosse surprise avec “Sisterworld”, surtout que les premières notes balancées sur internet donnaient l’impression que les Liars s’étaient lancé dans le field-recording. Une première écoute de Scissor et déjà une évidence : les Liars ont mixé les différents climats ambiants de "Drums Not Dead" avec l’urgence électrique de "Liars". Une légère déception pointe alors qu'on avait envie de les voir continuer dans les changements de direction musicale. Pourtant, après quelques écoutes, la désillusion se lève rapidement, tant le reste du disque se révèle passionnant, d’une impressionnante cohésion entre la voix sombre, détachée et intense d’Angus Andrew, le travail complexe sur les guitares saturées, et la forte intensité des compositions. Une certaine unité qui donne surtout envie d’écouter "Sisterworld" en intégralité plutôt que de naviguer au gré de quelques titres essentiels. On pourrait alors s’arrêter sur plusieurs détails marquants, comme la fureur électrique de Scarecrows On A Killer Slant, les drones hypnotiques de Proud Evolution, ou encore la basse poisseuse de No Barrier Fun, mais non, mieux vaut parcourir ce disque de bout en bout. On laisse alors ce punk-noise à tendance psychédélique nous violenter les oreilles, créant comme un rempart de bruit qui nous permettrait de nous tenir à l’écart de tout, loin du monde qui court très vite autour de nous, une bulle protectrice un peu à l’image de la forêt ou de la plage que l’on peut voir en photos sur le site des Liars. Encore une fois les trois musiciens de Liars réalisent un grand disque et réussissent une musique à la fois puissante, immédiate et intransigeante. Ces compositions parlent autant au cerveau qu’à des éléments plus tribaux de nos corps, décidément ce groupe me plait depuis la début, et il semblerait que je sois programmé pour les suivre pendant encore un bon bout de temps …

Irrepressibles (The) - Mirror Mirror

Wed, 10 Mar 2010

On avait pu vérifier, avec le second album du Get Well Soon de Konstantin Gropper, que la pop baroque avait du mal à tenir la longueur d'un album. Ce qui fonctionne bien sur 3-4 titres a tendance a tourner à l'indigestion passé ce cap. Pourtant, en matière de baroque et d'orchestration grandiloquente, on a trouvé encore plus fort que Get Well Soon avec le collectif anglais The Irrepressibles. Dix membres, à la fois musiciens et performers, des concerts bénéficiant de véritables mises en scènes théâtrales, un leader (Jamie McDermott) au timbre androgyne et un album construit en forme d'opéra barococo, à la fois glam, pop, lyrique et baroque. L'écoute des 12 titres de "Mirror Mirror" dépasse en effet le cadre traditionnel de la musique, si l'on accepte de se laisser embarquer dans l'univers décalé de cette troupe haute en couleurs. Cordes (violons, violoncelles), vents (flûte, cor, clarinette...) et piano accompagnent Jamie McDermott le long de 12 saynètes aussi lyriques qu'excentriques, à la manière d'un Klaus Nomi ou, plus proche de nous, des Canadiens d'Of Montreal. On ne peut s'empêcher d'évoquer également la ressemblance vocale entre McDermott et Antony Hegarty (même s'il s'en défend), flagrante sur Forget the Past, même voix de tête perchée dans les aigus, ou à un degré moindre avec celle du Canadien Patrick Watson sur The Tide. "Mirror Mirror" est plutôt construit comme un opéra, une pièce de théâtre, que comme un album de pop indé classique. On a en effet le sentiment à son écoute d'assister à un spectacle tout autant sonore que visuel, avec ses moments de calme et ses envolées lyriques. Parmi les meilleurs moments de cet album on retiendra la grâce d'In Your Eyes et de My Witness, les envolées d'un Nuclear Skies ou au contraire le côté intimiste de The Tide, mais c'est avec le somptueux In This Shirt que le groupe de Jamie McDermott tutoie les sommets. Il clôture un album qui n'a, au final, qu'un seul défaut, celui d'arriver après le phénomène Antony & The Johnsons, mais avec un titre aussi beau qu'In This Shirt on consent à pardonner beaucoup de choses.

Newsom (Joanna) - Have One On Me

Tue, 09 Mar 2010

Dire que le dernier album de Joanna Newsom est attendu, est un doux euphémisme. La jeune harpiste a su générer autour d'elle un engouement tout particulier depuis son premier album, "The Milk-Eyed Mender" sorti en 2004, et quelques EP en autoproduction. Son deuxième effort "Ys", chez Drag City a marqué les esprits par son ampleur et présageait déjà de son orientation lyrique. Reconnaissable entre mille avec sa voix aiguë et écorchée, elle agace ou suscite la curiosité. "Have One On Me" sort donc plus de 3 ans après son prédécesseur, et c'est avec les mains moites qu'elle nous laisse appréhender maladroitement cet objet étrange, découpé en trois disques ou trois mouvements. Depuis "Ys", Joanna affectionne les long morceaux, aux ondulations variées, qui offrent plusieurs facettes. Ce disque est donc long à apprivoiser, il demande du temps d'écoute puisque le plus long morceau dépasse les 11 minutes et que la durée moyenne avoisine les 6 minutes. "Have One On Me" est un album copieux et généreux puisqu'il faudra compter 18 titres pour venir à bout de son univers. Ce qui a principalement changé depuis "Ys", c'est la voix de Joanna, qui d'album en album ne se ressemble pas, se perfectionne, proche de celle de Kate Bush il faut bien le reconnaître. Elle se démarque également de son étiquette « folk-médiéval » un peu réductrice en dévoilant des morceaux plus contemporains bluesy, country, presque dans la lignée d'une americana digne de ce nom. Sur le premier mouvement Joanna accouche des morceaux les plus forts de cet album qui sont Have One On Me, 81, Easy, Good Intentions Paving Company ou Baby Birch. Ses chansons sont comme des courses folles où la prise de souffle semble impossible, où tous les sentiments explosent sans grande cohérence apparente, et laissent entrer batterie, piano, banjo comme nouveaux compagnons de voyage. Pari risqué, mais ô combien réussi et nécessaire. Joanna offre des chansons admirablement troussées et poignantes comme You And Me, Bess, In California (dont le final dresse son lot de poils sur les bras), Go Long, Occident, Soft As Chalk (qu'Alela Diane aurait pu écrire). Poussez l'écoute jusqu'au bout et quelques tirades finales sont bouleversantes à l'image de Kingfisher qui me ferait presque mentir sur l'absence de folk-médiéval sur ce disque, et Does Not Suffice, le génial écho à probablement la plus belle chanson du disque (In California). Toutefois dans un pari il y a une prise de risque, et la prise de risque entraîne des imperfections, très peu dommageables. Il faut bien admettre que tout n'est pas du même acabit. Parfois on s'ennuie, Esme, Autumn et Ribbon Bows tournent en rond et pataugent (présents sur le troisième et dernier mouvement). On serait tenter de jeter un pavé dans la mare en se demandant si un bon double album bien dosé n'aurait pas été suffisant. Des chipotages qui n'ont rien de bien dommageable comme je vous le disais. "Have One On Me", triple album qui compte double dans nos cœurs, combinaison gagnante de cette année 2010. Joanna Newsom ne se contente pas de rassurer ses admirateurs, elle offre une perspective intéressante à une folk parfois trop lisse. Son ambition et son parti pris artistique sont tout simplement à saluer et savourer.

Tunng - ...and then we saw land

Mon, 08 Mar 2010

Tunng s'est sans aucun doute installé dans le peloton de tête des groupes qui, ces dernières années, ont prouvé qu'on pouvait compter sur eux pour ce qui est de nous livrer des albums soignés et aboutis. Pourtant, on les décrit souvent comme un "bon petit" groupe, on s'enflamme rarement à leur sujet. Il faut dire que Tunng est un peu une anomalie : anglais alors qu'avec leur folk electro-bricolo, on les aurait plutôt vus originaires de l'autre côté de l'atlantique. Raté donc pour ce qui est de profiter de l'émulation de la vague néo-folk qui a sévi en Amérique ces derniers temps. En outre, la musique de Tunng n'est pas de celles qui vous déchirent l'âme, et ne vous assène pas non plus des hits au kilomètre. Tunng, c'est plutôt un cocon tranquille (du moins en surface), dans lequel il fait bon se lover et se laisser bercer. On peut y voir une limite, mais c'est aussi sur cet entre-deux que le groupe a créé son identité. "...and then we saw land" ne semble d'ailleurs pas avoir été conçu pour faire changer le groupe de statut, mais s'affirme plutôt comme un prolongement serein de la brillante carrière du groupe. Il ne faut en effet pas longtemps pour retrouver les mélodies célestes et enlevées qui nous ravissent à chaque fois, comme sur It breaks, sur lequel il fait bon siffloter et taper du pied. Cette fois-ci, le groupe a un peu mis de côté les petits bidouillages qui se mêlaient aux instruments sur les albums précédents et constituaient pour bonne part la "patte" Tunng. Alors on serait vite tentés de décréter que cet album est bien joli mais que le groupe évolue dans des eaux plus banales, brassées par bien d'autres. Or, c'est justement là le piège dans lequel il ne faut pas tomber : car si la musique de Tunng est légère, sereine, ça ne signifie pas pour autant qu'on en fait le tour en une ou deux écoutes. Un morceau comme Don't look down look up peut par exemple vous laisser, sinon de marbre, au moins quelque peu indifférent sur une, deux, trois écoutes, et vous mettre une belle claque à la suivante. Car Tunng a par moment revu ses dynamiques, travaillé plus en profondeur ses parties instrumentales, poussé un peu plus loin que sur les albums précédents son recours au chant choral, et tous ces petits détails affleurent à notre conscience au fur et à mesure. La partition de piano et la structure en canon de The roadside est ainsi un modèle de composition, tout comme le dépouillé These winds, presque uniquement axé sur les voix et qui sonne comme une chanson traditionnelle. Et puis il y a With whiskey, qui lui aussi repose a priori sur deux fois rien, sinon quelques accords de guitare acoustique, deux trois notes de harpe, des voix en lévitation, et qui vous atteint directement en plein cœur. Comment faire un maximum avec une économie de moyens remarquables en une leçon. Alors, oui, Tunng est bien un groupe majeur du moment, et "...and then we saw land", un disque qui creuse tranquillement son sillon. Ce qui devrait nous valoir encore pas mal de bons albums et de bons moments dans les années à venir.

Harmonia & Eno - Tracks and Traces

Sun, 07 Mar 2010

On peut affirmer sans hésitation que Brian Eno est un génie. Ne serait-ce que pour avoir inventer le jeu de carte des Stratégies Obliques, ou encore avoir réaliser quelques chefs d’œuvre tels que "Before & After Science" et "Apollo Atmospheres Soundtracks", sans oublier la production de certains des meilleurs disques de Bowie ou des Talking Head, Eno est encore une figure incontournable en matière de pop moderne. Au fur et à mesure que le temps passe, je déniche toujours une de ces créations musicales ou une collaboration avec un autre groupe. Dernière découverte en date, sa participation à Harmonia, un super-groupe de Krautrock composé de l’ancien Neu !, Michael Rother (un jour il faudra écrire ô combien “Neu ! 75″ fait partie de ces immenses disques de Krautrock), ainsi que Hans-Joachim Roedelius et Dieter Möbius de Cluster. Cela remonte donc à quelques années, puisque "Tracks And Traces" est constitué d’une collection de titres enregistrés en 1976, qui n’ont été édité qu’en 1997, avant d’être ressorti récemment en 2009. Difficile de comprendre pourquoi ce chef d’œuvre est resté aussi longtemps dans les tiroirs d’Harmonia & Eno tant la puissance introspective des premières notes de Vamos Companeros a de quoi transporter n’importe quel auditeur par ses volutes synthétiques et ambiantes. Entièrement atmosphérique, "Tracks And Traces" est composé pour l’essentiel de longues notes de claviers, de guitares, ainsi que de quelques rares patterns programmés sur d’anciennes boîtes à rythmes. Au milieu de ces influences synthétiques, on peut entendre Luneburg Health, seul titre chanté par un Brian Eno dont la voix froide apporte une étrange marque d’humanité au milieu de toute cette musique brute, expérimentale et électronique. Dans les guitares de Les Demoiselles on y entend parfois une sorte de blues lymphatique, qui inspirera d’ailleurs Eno pour le célèbre Deep Blue Day que l’on peut entendre sur "Apollo Atmospheres Soundtracks". Tout ceci est saisissant par sa simplicité et sa beauté. Pour le reste, le mieux est encore d’écouter ce disque, ces ambiances conviennent plus à l’écoute active qu’à un long résumé. Autant en rester sur un silence admiratif …